Por Fernando Hernández y Ángel Mariana Noriega
Sueño de juguetes (Francisco Machado, 2014)
Sueño de juguetes cuenta la historia de la tienda de juguetes Radiomotores, inaugurada en 1955 y que cerró sus puertas en el año 2015. Ubicada por la calle Serdán del centro de Hermosillo, el local y su dueño Alejandro Contreras, alcanzan la altura de los mitos en la historia reciente de la ciudad, junto a personajes como el famoso Santoclós de Mazón y el eterno enamorado.
El cortometraje arranca con una fuerza narrativa imponente a través del testimonio en primera persona y la melancolía de una Navidad sin regalos que se transformaba en la fe ciega hacia los Reyes Magos. El protagonista recuerda visualmente cómo un espacio “formidable” y caótico donde apenas se podía caminar, contrasta de forma brillante con la escala humana del relato, recordando una época donde todo se gestionaba a pulmón y en familia, sin empleados adicionales.
El punto de inflexión del corto, y sin duda el más emotivo, llega cuando el metraje aborda la transición del negocio. En lugar de optar por el drama de la quiebra o el cierre comercial clásico, La secuencia que documenta la entrega de 2,500 juguetes, el armado de bolsas de galletas y las bicicletas prestando alegría por las calles en pleno diciembre, dota a la obra de un humanismo luminoso. No es la crónica de una pérdida; es el registro de una herencia colectiva.
Hacia el cierre, la cámara se planta frente al protagonista en su vejez, un hombre que se define a sí mismo con un orgullo conmovedor: “el único que ha quedado dando guerra”. El director captura con maestría su dualidad. Por un lado, la ternura infinita de quien confiesa “si vengo es porque lo amo”; por el otro, el colmillo afilado de la vieja escuela. Es magnífica la escena costumbrista donde interactúa con los clientes actuales, defendiendo sus precios con la autoridad implacable que solo otorgan los años de antigüedad.
Sueño de juguetes (Francisco Machado, 2014).
El casting (Andrea González, 2023)
Este cortometraje narra la historia de Anahí y Alma, dos hermanas en competencia con una relación marcada por la rivalidad y la envidia que dan forma a una dinámica tóxica a grado fatal (como la trama del corto se encarga de mostrar). La disputa por una prenda de vestir simboliza una lucha de poder más profunda que trasciende lo material.
La escena se traslada a las instalaciones de Radio Sonora, donde la competencia entre las hermanas rebasa la pelea por un puesto de locutora. Esto no pone a prueba solo sus habilidades profesionales, sino también su integridad emocional. El momento en que se anuncia a la ganadora sirve como el punto de no retorno para la relación entre ambas.
Tras el descarte, la hermana derrotada explota en un discurso lleno de odio y resentimiento. La tragedia ocurre minutos después, cuando un anuncio informativo notifica un accidente automovilístico. El cortometraje cierra con un potente mensaje sobre el arrepentimiento y la fragilidad de la vida, cuando la hermana sobreviviente se enfrenta a la realidad de que sus últimas palabras hacia su hermana, aquellas que no fueron más que un sentimiento de odio y un deseo del mal.
Es un drama con tintes de comedia o una comedia con tintes de drama que nos invita a reflexionar sobre la importancia de la reconciliación y el valor de los vínculos familiares por encima de cualquier ambición personal o rencilla momentánea.
La historia de “El casting” tiene una estructura narrativa y temática que guarda una semejanza con la fórmula clásica de la serie mexicana La Rosa de Guadalupe. La escena del accidente es de lo mejor que se puede ver en producciones estudiantiles.
Andrea González, la productora de este corto, representa el perfil de la nueva generación de comunicólogos en Hermosillo, cuya formación académica en la Universidad de Sonora ha sido pilar para su desarrollo profesional en la industria de los medios. Durante su etapa universitaria, Andrea consolidó una base sólida en la teoría y práctica de la producción audiovisual. Este periodo no solo le permitió dominar las herramientas técnicas necesarias, sino también comprender el impacto social de la radio y la televisión en la identidad regional, marcando una etapa de aprendizaje que hoy proyecta.
Actualmente Andrea es integrante del equipo de Telemax.
El casting (Andrea González, 2023).
Absorción (Diego Yates, 2025)
Absorción es un cortometraje que se construye desde la tensión emocional y el terror psicológico, explorando cómo un evento aparentemente pequeño puede transformarse en una experiencia devastadora para quienes lo viven. Inspirado en narrativas juveniles y referencias del cine de terror independiente, el proyecto se enfoca en personajes adolescentes enfrentando las consecuencias de sus propios actos.
La obra toma influencias claras de películas como The Blair Witch Project (1999), en su manejo del suspenso con recursos limitados, así como de Super Dark Times en su aproximación al terror desde la psicología adolescente. También incorpora elementos simbólicos cercanos al realismo mágico latinoamericano, evocando autores como Gabriel García Márquez, donde lo fantástico surge dentro de lo cotidiano.
Uno de los elementos más interesantes del cortometraje es su resolución visual y narrativa: el recurso del “hoyo” que absorbe a un personaje funciona como metáfora del miedo, la culpa y la inevitabilidad de las consecuencias. Esta idea conecta con una construcción simbólica más amplia donde el entorno natural se convierte en una extensión del conflicto interno.
A nivel técnico, Absorción destaca por su capacidad de resolver limitaciones de producción —una sola cámara, batería limitada y grabación en un solo día— con creatividad narrativa. El uso del ensayo constante para evitar repeticiones y la improvisación en momentos críticos terminan aportando naturalidad a las actuaciones.
En conjunto, es un ejercicio cinematográfico que demuestra cómo el ingenio puede suplir la falta de recursos, logrando una pieza honesta, intensa y con identidad propia dentro del cine independiente.
Absorción (Diego Yates, 2025).
